川岛芳子捏睾丸现年92岁的葡萄牙籍普利兹克获奖建筑师阿尔瓦罗·西扎（Álvaro Siza）是当代最重要的建筑师之一，也是建筑界有史以来获奖最多的个人。因为建筑静默如初、浑然天成的诗意，他时常被誉为“建筑诗人”。

　　6月5日，“阿尔瓦罗·西扎的档案”在上海当代艺术博物馆（PSA）开幕，这是迄今为止亚洲最大规模的西扎个人回顾展，展览以九个版块、逾800件展品构建了一张跨越时空、互文观照的建筑地形图，勾画出这位建筑大师悠长而丰沛的创作经历。

　　在上海与波尔图建立姐妹城市30周年之际，一场从西扎家乡马托西纽什启程，蔓延至岛屿、热带、山林的全球建筑之旅，在此启程。其中，位于上海嘉定的在建的“海上博物馆”是西扎迄今为止设计过的最大规模的项目。

　　有意味的是，“贝聿铭：人生如建筑”也正在上海当代艺术博物馆举行，两位普利兹克获奖建筑师在此“同台竞技”。

　　据悉，此次展览由上海当代艺术博物馆（PSA）与葡萄牙波尔图塞拉维斯博物馆共同举办，建筑师安东尼奥·乔彼纳（António Choupina）策划，西扎本人及其合作者卡洛斯·卡斯塔涅拉（Carlos Castanheira）参与指导。

　　展览之所以以“档案”为名，因为“不仅仅是一次作品汇编或建筑师个展，而是一次对西扎个人建筑档案的深入挖掘。”此次展览的策展人安东尼奥·乔彼纳对澎湃新闻说。乔彼纳是一位来自波尔图的建筑师，他大约十岁时便认识了西扎，他们经常一起画画，西扎也是乔彼纳大学时期的老师。

　　展览以手稿、模型、雕塑、物件、照片构建了一张跨越时空、互文观照的建筑地形图，勾画出这位建筑大师悠长而丰沛的创作经历。

　　阿尔瓦罗·西扎1933年生于葡萄牙马托西纽什，就读于波尔图美术学院，早年钟情雕塑，后来因为机缘巧合在一场途经巴塞罗那的旅程中被这座城市以及高迪的作品所打动，转入建筑系，师从费尔南多·塔沃拉（Fernando Tavora），后来在其长达七十余年的建筑生涯中，创作项目遍及欧、亚、非、北美及南美，有550余件作品在世界各处落地生根。

　　但展览并不只是展示那些显而易见的图纸和落地的项目，一些人们可能从未见过的图纸和未建成的建筑方案，同样精彩、有趣。“就学者和学生而言，大量的平面图是重要的研究资料来源；对于普通观众，展览中视频、照片和模型更容易理解。”乔彼纳说，“我希望孩子们也参与其中，让孩子从小就接触建筑、阅读建筑图纸，所以展陈都设置得相对较低，让人人都容易亲近。”

　　还未走入展厅，一幅高达三米的西扎肖像海报便让人抬头驻足。西扎是拥有最多个人肖像的建筑师之一——这并非出于自负，而是因为他早逝的妻子、艺术家玛丽亚·安东尼雅·西扎（Maria Antónia Siza，1940–1973）。玛丽亚去世时仅33岁，西扎没有再婚，自此某种意义上“与建筑相伴”。他如同一位“文艺复兴式”的建筑师，不断地手绘草图，这似乎是他与亡妻保持联系的方式。

　　波尔图大学建筑学院手稿，葡萄牙波尔图，1979-1997年。塞拉维斯基金会-当代艺术博物馆收藏-建筑师阿尔瓦罗·西扎档案。获捐于2015年。

　　细看这些草图，其中有不少点状线条，那是建筑中看不见的结构线，用来调和秩序。西扎几乎始终在尝试从世界的混乱中寻找某种秩序。这种“秩序”也构成了展陈设计的基础——一个个基本几何勾勒出不同主题，这不仅仅出于形式的纯粹性或美学考量，更因为几何在其早期建筑中具有重要作用。正如策展人乔·彼纳所言：“对西扎而言，几何是一种工具，是用来解决现实世界混乱的手段。”

　　在展览第一个几何（圆形）中，呈现了西扎的家庭生活与1949年前后他备考美术学院时的作品。他为家中所有成员画像，并于1952年完成了第一个建筑作品——“祖母的厨房”，他也为舅舅设计了家门。从为家人设计起步，住宅成为西扎最初且最核心的构造实验领域。

　　展览现场，几何（圆形）展厅中，西扎所画的祖母，以及“祖母的厨房”的照片。

　　由此展览专设一章聚焦其“住宅”项目，细数从二十世纪五十年代学生时期包含位于马托西纽什的“四栋住宅”在内的家宅设计，至近年落成的宁波东钱湖大师工作室。在 “葡式革新”部分则讲述了20世纪70年代起葡萄牙制度巨变之下西扎在波尔图博萨和圣维克多以及埃武拉马拉盖拉开展的社会住宅项目（social housing），通过现代主义的建筑方法解决当地的人口和住房问题。这些项目为西扎此后在葡萄牙、德国、荷兰等地的规划与重建工作奠定基础。同时，世纪之交两次世博会（1998里斯本世博会与2000汉诺威世博会）的葡萄牙国家馆的设计，揭示了这位成长于二战后的建筑师力图以设计重塑国家形象，改变世界的理想。

　　葡萄牙国家馆-1998世博会，葡萄牙里斯本，1994-1998年。图片 © 安东尼奥·乔彼纳。

　　在展览里随之展开的“圣地”“闲所”“商业与金融”“教育与知识”“写字楼”“美术馆”等则讲述这位建筑师如何在不同地域与功能的建筑项目中，拓展历史文脉与当地性的解读，巧妙地处理建筑与人、环境、人与自然的关系。

　　紧随其后展开的“圣地”“闲所”“商业与金融”“教育与知识”“写字楼”“美术馆”等板块，则展示了他如何在不同地域、不同功能类型的项目中延展历史脉络与地方性理解，巧妙处理建筑与人、环境、自然之间的关系。

　　阿尔瓦罗·西扎与费尔南多·塔沃拉联合设计，圣母庄园游泳池，葡萄牙莱萨·达·帕尔梅拉，1958-1965年。图片 © Luis Ferreira Alves, 特蕾莎·西扎。

　　其中最为人熟知的作品，是位于葡萄牙莱萨·达·帕尔梅拉的圣母庄园和海边的游泳池，以及博阿·诺瓦茶室。后者是西扎第一个建成的商业委任项目，也被视为葡萄牙当代设计的开创性宣言。其外观以旧时的拖网渔船为灵感，平面布局与所处地理环境相适应，并通过开口设计连接室内与周遭景观。它被誉为西扎的“早期杰作”之一，其屋顶与岩石地貌几乎融为一体，四周玻璃嵌入地面，宛如漂浮在岩石之上的开放空间。在展出的模型中，可以清晰看到屋顶岩石结构与自然的紧密连接。

　　而在海滨游泳池的设计中，西扎并未沿用茶室作品中的在形式上同礁石的相似性，而是以更具人工感的方式，区分建筑与周围自然之间的边界。这是也是“现象学”在西扎设计中最直接的体现——建筑与自然现象如风、海洋的气味、温度、湿度相联结，构成一种整体氛围的体验。目前，包括茶室和海滨游泳池在内的一系列西扎作品正申请列入世界文化遗产名录。

　　西扎始终对东方文化怀有兴趣。他最早接触东方文化或可追溯到学生时代的读物。在早期住宅项目“四栋住宅”中，他便借鉴了传统日本建筑中楼梯的设计方式。而自2000年以来，他陆续在亚洲落地多个建筑项目。

　　在中国，西扎和他的合作者设计了位于杭州的中国国际设计博物馆、宁波的华茂艺术教育博物馆、以及淮安的实联化工水上办公楼等项目。在这些设计中，不难看出他始终在尝试将建筑的雕塑性与当地地形、文化融合为一体，呈现出对“地景”与“精神性”的双重回应。

　　阿尔瓦罗·西扎与卡洛斯·卡斯塔涅拉联合设计，中国国际设计博物馆，中国杭州，2012-2018年。图片 © Fernando Guerra。

　　2019年，他在上海与乔彼纳合作设计了锐驰馆，作为当年上海国际家具博览会的一座临时展馆。虽仅存在4天，却被称为西扎建筑思想与手法的“微型百科全书”。据乔彼纳回忆：“当时我们刚在柏林参加完包豪斯百年纪念活动，在飞机上手边只剩一只西扎抽完的烟盒。于是我们把烟盒内侧的银色锡纸撕下，用它来做建筑外立面的初步构思——这也成为了展馆外立面闪耀质感的起点。”“因为是临时性的展馆，为我们提供了实验建筑材料和形式的机会。我们希望外部能吸引人、甚至有点‘炫目’，而内部则是一个安静的休憩空间，让人在大型展会的喧嚣中有一处喘息之所。”

　　如今这个已经消失的临时场馆，借助照片在展览中重现。相比之下，另一个更为引人关注的项目是正在建设中的位于上海嘉定的海上博物馆。在展览中，海上博物馆的模型如同悬浮水面，一边的手稿记录下了思维。

　　这座尝试将当代艺术博物馆与古代博物馆合为一体的博物馆，是西扎迄今为止设计过的最大规模的项目，在此，新与旧彼此缠绕、互为镜像的整体。

　　中国文字也给西扎带来了极大的美学冲击。在海上博物馆旁的茶室与餐厅建筑中，他便尝试将汉字的线条和结构转译为建筑形体。整个博物馆的布局，也呼应了中国古典园林的空间逻辑：建筑被水环绕，通过桥梁连接，既表达了他对当代中国的理解，也致敬了中国传统哲学。

　　从中国国际设计博物馆到海上博物馆等一系列项目，西扎与合作者卡洛斯·卡斯塔涅拉（此次展览顾问）共同发展出一种迥异于西方的建筑路径。这种路径不仅是形式上的转变，更是一种文化感知的方式。

　　正如展览最初呈现其少年时期的绘画作品、以及大量建筑手绘画稿，艺术创作从儿时想要成为雕塑家开始，几乎贯穿了西扎的人生。在“艺术创作”板块，西扎以骑恐龙的“自画像”开场，象征着建筑师原初身份的诞生。这种带有幽默感与象征意味的开场方式，既回应了“起源”主题，也将观众引入西扎独特的艺术世界。

　　展览几乎以一个展厅，呈现其建筑之外的艺术创作。“什么是当代艺术？”也是策展团队在构思展览时提出的一个核心问题。

　　绘画，在西扎的实践中从不是建筑之外的闲笔，而是一种思维的持续与推演。他不断画自己，像在镜中重复反射，也是在练习一种思维与手之间的潜意识连接。“这一板块不仅展出了西扎少年时期的素描，也呈现了他为本次展览新创作的作品。它们穿插于展览叙事之中，描绘了‘第一位人类’‘第一间小屋’‘第一位建筑师’的神话图景，构建出一个介于童年幻想与建筑哲学之间的世界。”乔彼纳说。

　　在展览中，一面展墙上的作品尤其引起澎湃新闻记者的关注。西扎在此致敬了柯布西耶与毕加索。前者作为现代主义建筑的奠基者，对西扎所就读的波尔图美术学院影响深远；后者则是他艺术生命中最重要的灵感源泉之一。西扎深受毕加索作品中宇宙观的影响——无论是其以公牛为中心的象征系统，还是迷宫与米诺陶洛斯的形象，这些都对西扎产生了持续的吸引力。

　　展览现场，西扎绘画作品《从柯布西耶到毕加索：天使、半人马、米诺陶洛斯、耶诞》

　　西扎的绘画中也寓意“诞生”与“生命的创伤”，在这一空间中出现了大量身体的形象，不论是人类还是马的身体，回应了日本美学中的残缺之美。许多这类绘画始于1979年，那时西扎在柏林工作，他将城市视作一个有生命的身体，建筑师的责任就是将这具被历史与政治撕裂的身体缝合回一个有机的整体。展览中所展出的作品，正是这种缝合尝试的可视化呈现。

　　展厅中出现了大量关于“手”的描绘与象征：绘图的手、吸烟的手、握笔的手。西扎曾在香烟包装纸内侧的锡纸上作画，用日常小物作为艺术创作的媒介，也将“建筑师之手”的概念延伸进更为私密的空间。这些作品幽默、奇异，却也诚实而直接地表达着他对创造、对记忆、对建筑之本质的思索。

　　而展览“艺术创作”板块所在的最后一个展厅的设计灵感源于传说中由代达罗斯为关押弥诺陶洛斯而建造的第一座建筑——迷宫。在展览导览时，策展人点出了这一展厅中心位置——“站立在四面墙构成的中心、能感知到向内与向外两种力量交错作用的体验，是一种在建筑中极具诗意的存在方式。空间的张力既将你吸引向内，又将你推出去，引导你在不同的空间之间游走。这种感知，就像是进入了一种思想的引力场。”乔彼纳说。

　　在这个思想的引力场中，西扎以如诗的语言，手绘的线条构建建筑的精神秩序。恰如普利兹克奖评委在他1992年获奖时的点评：“西扎的作品给人感官的愉悦和灵魂的升华，每一根线条都以巧妙与笃定的姿态被安放。”